jueves, 3 de mayo de 2012

Dr. Slump, la niña robot Arale

Fuente: Ruta 42

El Doctor Sembe Norimaki es un genio inventor que vive en Villa Pingüino. Su última creación está a punto de ser acabada. Un robot con forma de niña de 10 años. Cuando la termina, la enciende y resulta que tiene un problema de visión y tiene que ponerla gafas. De esta forma vemos que su gran creación, a la que llama Arale, tiene sus fallos. Pero él aún decide mantenerla así y probar que puede pasar por humana.
Así que la lleva a la escuela, donde hará su primera amiga, Akane Kimidori, una chica problemática, que no entiende porque Arale no se separa de ella. Y cuando se junta con su amigo Taro y su hermano Pisuke Soramame, en seguida les cae bien, pues derriba un poste eléctrico y se mete con la policía.
Entre los inventos del Doctor, y la facilidad de Arale para verse envuelta en problemas, pasaremos el tiempo en la divertida Villa Pingüino.
Akira Toriyama demostró una cosa, y es su amor por esta serie, debido a que Villa Pingüino y sus habitantes aparecen en la obra más famosa de este autor, que no es otra que Dragon Ball. En esta serie, Goku se encuentra con Arale y ésta enseguida se queda encantada con él. Durante tres capítulos conviven en la misma serie, recuperándola así nuevamente para el público.
La serie es tan famosa que incluso se han utilizado sus ideas para otras obras. Sin irnos demasiado lejos, el capitulo 4 en donde un secuestrador se lleva a Arale para pedir un rescate por ella. Posteriormente se usó ese mismo argumento para otra criatura del señor Toriyama, Dragon Ball GT. En el segundo capítulo de ésta unos ladrones también secuestran a Goku para pedir dinero por él, y descubren igual que hizo el secuestrador de Arale, que nunca le habían podido retener, solo se había dejado porque se lo estaba pasando bien.
En este manga el señor Toriyama también tira del mito de Superman y crea su propia versión de éste, su nombre es Suppaman.
Publicada entre 1980 y 1984 por la revista Weekly Shonen Jump, Toriyama consiguió gracias a esta obra en 1981 el Premio de Manga concedido por la editorial Shōgakukan. Este manga, del que Planeta DeAgostini sacó su edición ultimate, que recopilaba toda la historia en 15 tomos, resulta divertido, gracioso, simpático, sorprendente.
Resulta muy amena su lectura, pues los capítulos son cortos, de apenas quince páginas, lo que permite una rápida lectura. Y las historias apenas tienen conexión, por lo que se puede retomar en cualquier momento, sin necesidad de tirar de la memoria para saber en que momento lo dejaste de leer. Una gran obra de uno de los maestros del manga. Sin duda un acierto como elección de entretenimiento.

El Saló del Còmic revisa la fascinación por los robots

Fuente: La Vanguardia

El Saló del Còmic regresa. Y no viene solo. Desde hoy y hasta el domingo al pabellón número ocho de la Fira de Barcelona, en plaza Espanya, se va a inundar de todo tipo de robots, y no van a estar tan sólo en las viñetas: también los va a haber de chips y metal, que lo mismo van a dibujar ellos mismos a otros robots que servir agua o abrir la puerta a quien se lo pida. Los robots, su historia en el cine y en las viñetas de los cómics, desde los autómatas a Terminator, desde Frankenstein a Maginzer Z, desde los robots de Metrópolis a los de La guerra de las galaxias o los de la reciente Eva de Kike Maíllo, serán sin duda los grandes protagonistas de este Saló. Pero desde luego, no serán los únicos: China, país invitado, hará un pequeño desembarco, incluidos autores como Benjamin. Y, para festejar la trigésima edición del certamen, habrá numerosas exposiciones, desde una dedicada al recientemente desaparecido Moebius a otras dos que celebran respectivamente los 50 años del arácnido favorito de los tebeos, Spiderman, y de la revista Cavall Fort. Otra muestra repasará cómo será el nuevo universo de DC Comics poniendo el acento en la contribución de los artistas españoles al relanzamiento de su línea de superhéroes. Para que nada falte, habrá además un aluvión de autores, desde Milo Manara a David Lloyd, Gilbert Shelton, Gô Nagai, Baru, Enrico Marini, Greg Rucka, Joost Swarte, Rags Morales, Ulli Lust, Scott Snyder o la joven Aude Picault.
Autores que firmarán y hablarán de sus últimos trabajos y de su carrera, y que rivalizarán por la atención del público con el gran despliegue robótico que vivirá el Saló, un despliegue comisariado por el profesor de la Universitat Politècnica Jordi Ojeda, un ingeniero industrial que es el creador de la muestra Robots en su tinta y que ha logrado programar una larga lista de actividades con un objetivo muy claro: cree que a través del arte, de los tebeos, de las películas, se puede divulgar mejor la ciencia y la tecnología, hacer más interesante la formación académica e incluso despertar vocaciones científicas.

Ojeda explica que la muestra, que lleva por subtítulo De la ficción a la realidad, comienza por los autómatas de siglos pasados y que recuerda la obra de Mary Shelley Frankenstein, "la primera novela de ciencia-ficción donde se da la creación de un ser vivo autónomo, donde el científico tiene la osadía de convertirse en Dios y crear vida, y luego esa criatura se rebela contra él". Una rebelión que se repetiría a partir de entonces y para la que Asimov, recuerda, crearía las tres leyes de la robótica en 1942, la primera de las cuáles establece que "un robot no puede hacer daño a un ser humano o permitir que un ser humano sufra daño".
La muestra recogerá los diez libros más importantes de la robótica y por supuesto hará un recorrido por el cómic clásico y las películas, con especial atención a La guerra de las galaxias, que celebra este mes el 35 aniversario de su estreno. Para ella habrá, con la colaboración de la asociación Star Wars Barcelona, diversas actividades y una sección especial dentro de la macromuestra Robots en su tinta titulada Droides de las galaxias, todo un homenaje a los robots que salen en la saga y que incluye un modelo R2-D2 que estará activo durante el Saló. Por haber, habrá en el encuentro incluso dos actores de la trilogía fílmica clásica: Julian Glover y Paul Blake. También habrá en la muestra un espacio para los robots en el manga y el anime, desde Doraemon a Astroboy o Mazinger Z, que será uno de los protagonistas indiscutible del Saló: su autor el japonés Gô Nagai, estará presente, y Norma editorial lanzará sus historias en tres volúmenes.
Pero de ahí, recuerda Ojeda, de la ficción, pasarán a la realidad de los robots en el propio Saló: habrá talleres sobre construcción de robots y de introducción a la robótica -que para Ojeda tendrá un gran papel en el ocio del futuro-, se celebrará el XV Concurso internacional de robots que organiza la asociación de estudiantes AESS de la UPC, habrá presentaciones sobre el futuro de la robótica asistencial o la quirúrgica, habrá robots de servicio como el REEM, con el que se podrá interaccionar y solicitarle cosas, se mostrarán prototipos del Instituto de Robótica e Informática Industrial de la UPC como la pareja formada por Tibi y Dabo, con sensores adecuados para guiarse por la ciudad y funciones de guía, transporte, asistencia y vigilancia...
Un cúmulo de información y entretenimiento alrededor de un mundo que, dice Ojeda, causa muchas sensaciones contradictorias: fascinación y a la vez extrañeza, familiaridad y misterio, ternura y terror, "porque no sabes cómo se comportará". unas sensaciones que, dice, ya explicó bien Freud en su definición de lo siniestro y a las que luego los autores de ficción "han dado más intensidad". Intensidad y, también, el signo de los tiempos: en los actuales, en los que la tecnología avanza tan velozmente, explica Ojeda, y en los que "podremos ver cambios en poco tiempo, que tendrán implicaciones socioeconómicas y para la calidad de vida", se pone el acento desde la ficción especialmente en "la robótica social", como en Inteligencia artificial o en Eva, subraya.
Los robots formarán parte también de las actividades paralelas del certamen: habrá un cosplay de robots, esto es, los participantes se deberán hacer un disfraz de robot y mostrar su arte cibernético en el escenario. También habrá cosplay de superhéroes y no faltará siquiera una tanda de conciertos: actuarán Avalanch, Lax'n Busto, Los Coronas o Teràpia de shock. también habrá talleres de cómic a cargo de la Escuela de Cómic Joso, que además tendrá una de las muchas muestras del Saló.
Un salón que tendrá otro polo de interés en la delegación china que lo visita, una delegación compuesta por representantes gubernamentales, empresarios del mundo del cómic -el salón espera poder exportar la producción autóctona a un gigante que se ha mostrado receptivo con el cómic occidental- y, por supuesto, artistas: desde el creador y teórico Chen Weidong hasta Zhang Bin -que trabaja bajo el nombre de Benjamin y que ha publicado en España obras como One day, Remember y Orange, las tres en Glénat, o Sky doll lachrima Christi, en Norma editorial-, pasando por la guionista e ilustradora Lotulist o Andy Cheng.

domingo, 29 de abril de 2012

El insólito universo del manga gay japonés

Fuente: Ocio Gay

A los ojos de un occidental hay aspectos de Japón nada fáciles de entender. Al visitar Tokio uno tiene muchas veces la sensación de estar en Marte. Nos chocan las multitudes inquietantemente silenciosas, los pudientes trabajadores trajeados durmiendo en cualquier lado -a veces en el suelo- o las adolescentes vestidas de provocadores muñecas infantiles.
Esta extrañeza aparece también al estudiar el fenómeno gay. Y es que en Japón, a diferencia de lo que en algún momento inventamos en Occidente, no ha existido históricamente ese concepto de la homosexualidad entendida como identidad. El amor y el deseo entre hombres hay que leerlos en otras claves, como actos o apetitos, sin que ellos supongan ningún tipo de etiqueta indeleble. Ya los antiguos samuráis tenían amantes masculinos de los que disfrutaban al igual que de una buena comida o de la contemplación de un hermoso cuadro, sin que ello pusiera en cuestión su posición social o la estabilidad familiar. Y aunque esto ha cambiado en las últimas décadas, la sexualidad en Japón, entendida como un disfrute y en gran medida carente de cargas morales, ha provocado desde siempre el asombro de los pacatos occidentales.Quizá esto nos ayude a comprender el insólito universo del muy popular comic porno japonés.
Uno de los géneros más importantes dentro de este universo es el YAOI, “historias de chicos”. Suelen ser largas historias de manga, con argumentos que se extienden por un largo, a veces larguísimo, número de tomos. Historias de amor entre hombres donde los papeles están claramente definidos: uno de los protagonistas, el SUME, encarna a personajes masculinos y dominantes, habitualmente en una posición de éxito profesional, e incluso de mayor tamaño físico; y el UKE, que se sitúa en posiciones de sumisión y pasividad y está más abajo en la escala social. No es casualidad que estos términos están tomados del Japón feudal, del maestro y el alumno respectivamente en las relaciones de aprendizaje entre los samuráis. Como en nuestras clásicas novelas románticas, muy a lo Bárbara Cartland, el UKE, a pesar de su evidente deseo interno, se resistirá inicialmente al paso al explicito acto (anal) para finalmente entregarse completamente. Es su equivalente a nuestro “no se crea usted que yo soy una cualquiera” que vertebra muchas de estas historias.
Curiosamente estas historias son escritas, dibujadas y consumidas por mujeres heterosexuales. Las lectoras son amas de casa maduras -dicen los estudios que con un alto grado de frustración en su machista vida privada- que olvidadas por sus maridos de algún modo consiguen reparo en estas en estas lecturas.
Reparo que seguramente venga por una parte de ver que hay hombres capaces de amar como ellas desean amar y ser amadas; y por otra una cierta identificación con el género masculino que en Japón supone la licencia para permitirse muchas libertades, aunque solo sea en el terreno de la fantasía.Un segundo género muy popular es el BARA, menos sorprendente por afinidad con nuestra cultura literaria y audiovisual. Son comics dirigidos para el público homosexual. Las historias suelen ser cortas, apenas unas cuantas páginas, con tramas sin florituras y muy resolutivas . El clásico fontanero que llega a hacer unas reparaciones y se encuentra con un inesperado premio sería el guión arquetipo. La estética, muy manga, es una extraña combinación entre TOM de Finlandia y Pokemon. Muchos contrastes. Historias tremendamente explicitas donde el sexo forzado pero deseado, casi rozando la violación, se lleva a cabo por protagonistas hipermusculados e infantilizados al mismo tiempo. Cómo no fascinarse ante una historia de Gang Bang en las que la pandilla tiene cuerpos y dotaciones de actor porno completadas con cabezas de ardillas u otros animales del bosque.

lunes, 23 de abril de 2012

'Cavall fort' celebra sus 50 años con una exposición en el Salón del cómic

Fuente: La Vanguardia.com

El 30 Salón Internacional del Cómic de Barcelona celebra los cincuenta años de la revista Cavall Fort -algo excepcional en el mundo editorial- con una gran exposición antológica de los cómics dibujados por autores catalanes.
Nació en 1961 para estimular la lectura en catalán los niños de entre 9 a 15 años en una época en que el catalán era una lengua marginada, prohibida en los ámbitos públicos por parte de la dictadura franquista, y con poca visibilidad púiblica. En el contenido de la revista, de carácter didáctico y lúdico, el cómic ha jugado un papel protagonista desde el primer momento.
De periodicidad quincenal, Cavall Fort ha publicado 1192 números hasta la actualidad. A través de esta revista se hicieron conocidos en el mercado español en los años 60 los cómics de la llamada línea clara franco-belga, con las obras de autores tan destacados como Peyo o Franquin. Pero La publicación fue lanzadera no solo para estos grandes autores sino para otros del panorama nacional que empezaron a publicar sus historietas aquí.
La muestra Cavall Fort 50 años da la oportunidad al amante del cómic de revisir toda una época gracias a una gran cantidad de páginas originales y ediciones de la época. La muestra, comisariada por la directora de la publicación Mercè Canela, está dedicada a los autores catalanes, porque la revista ha sido y es también cuna de artistas del país.
La exposición mostrará un total de 50 páginas, originales o ediciones, correspondiendo a cada una a 50 series claves de la publicación. Habrá títulos míticos como Ot, el Bruixot de Picanyol o La casa sota la sorra, dibujado por Madorell, autor también de otro cómic de referencia como Jep i Fidel, además de Pesquis i Baliga de Viladoms o Maurici Bonull, de Marc y Pep Brocal.
Por las páginas de la mítica revista catalana también han pasado autores actuales como Cesc, Joma, Roser Capdevila, Oriol Garcia Quera, Francesc Infante, Quim Bou, Lluïsot o Alfons López, entre otros. La exposición también dedicará un espacio a la revista El Tatano, que nació como un suplemento para los más pequeños dentro de Cavall Fort en 1990, hasta que en 2006 se independizó y se convirtió en una publicación mensual.

lunes, 16 de abril de 2012

El origen del T.B.O.

Fuente: ABC.es

Noventa y cinco años después del nacimiento de la popular revista infantil se ha descubierto la procedencia de su nombre, que dio pie a todo un género de historietas.
La popular y «original» revista infantil TBO, que tanto hizo por entretener y divertir a varias generaciones de españoles (desde el más pequeño de la casa, al abuelo de la familia), cerró sus puertas en 1983.
Su creación en 1917, tuvo lugar en Barcelona, en la imprenta de Arturo Suárez. Diez números más tarde desde su inicio, entró como editor de la revista Don Joaquín Buigas Garriga (cliente del impresor), decidiendo ser parte, y fundador de la publicación. Se convirtió en el primer editor de la revista, aunque años más tarde se supo que no fue él, quien realmente puso nombre a la publicación, sino un empleado de la imprenta de Arturo Suárez: Joaquín Arqués, un administrativo, de formación periodística, actor aficionado, y escritor de numerosas piezas teatrales.
Noventa y cinco años después del nacimiento de la revista, Rosa Segura (Barcelona, 1925), la secretaria de redacción de TBO, durante dos etapas de su vida (1956 a 1960, y de 1975 a 1983), ha obrado un «hallazgo histórico»: la procedencia del nombre de la revista TBO.
Posiblemente se deba una revista lírica de 1909, de nombre T.B.O., firmada por Eduardo Montesinos y Ángel Torres del Álamo; justo ocho años antes de la aparición del famoso TBO de 1917. En su cuadro primero, situaba la obra en la redacción de un periódico, comenzando de esta manera: «¡Animo, señores! A trabajar. Mañana saldrá el primer número de T. B. O. y hay que lucirse. Ya saben ustedes que éste no será un periódico vulgar. T. B. O. viene á llenar un vacío».
Un dato conseguido a través de las pesquisas seguidas por Rosa, gracias a su afición a la lírica, al buscar entre sus archivos relacionados con la zarzuela y el mar. Encontrando en el índice de la colección «La Zarzuela», en la letra T, la referencia T.B.O.
Un nombre, el de TBO, que fue sugerido por Joaquín Arqués a la dirección de la publicación. Éste, gran aficionado a las piezas teatrales, posiblemente fue influenciado por esta obra lírica (estrenada en el Coliseo del Noviciado, el 29 de abril de 1909), tomándola como referencia para la revista infantil.
De esta manera, Rosa Segura, autora de las memorias, «Ediciones TBO ¿dígame?» (Ediciones Marré, 2006) clarifica de alguna forma el origen del nombre de una revista legendaria, que hasta hoy, casi un siglo después de su creación, poco o nada se sabía.

domingo, 15 de abril de 2012

Llega a Madrid la exposición Proto Anime Cut

Fuente: Entrecomics

“Proto Anime Cut. Visiones y espacios en la animación japonesa”, comisariada por Stefan Riekeles y David d’Heilly, es la exposición que La Casa Encendida propone desde el 15 de abril al 6 de junio.  La muestra ofrece una selección de dibujos inéditos de las principales fases de creación de los fondos y personajes de algunos de los principales filmes de animación japonesa, anime, más influyentes de la década de los 90.
La exposición presenta una serie de pinturas, dibujos y bocetos de artistas japoneses como Hideaki Anno, Haruhiko Higami, Koji Morimoto, Mamoru Oshii, Hiromasa Ogura y Takashi Watabe. Cada obra muestra el trabajo de creación de mundos alternativos y retratos de ciudades y paisajes futuristas que aparecen en los filmes de animación japonesa.
El conjunto expositivo muestra la importancia del trabajo artístico que ha precedido a la imagen fílmica, la labor casi artesanal necesaria para que las historias sean creíbles y el espectador pueda identificarse con los personajes. En “Proto Anime Cut. Visiones y espacios en la animación japonesa”, se recoge la complejidad de creación de un anime.

domingo, 8 de abril de 2012

La saga 'REC' continúa en las páginas de un cómic

Fuente: lainformacion.com

REC prosigue más allá de las películas de Jaume Balagueró y Paco Plaza. Ahora, además, su particular horda de infectados se extiende por las páginas de un tebeo escrito por Hernán Migoya.
A través de REC. Historias inéditas, el fan de los largometrajes se entera del destino de los adolescentes que aparecieron en la segunda película de la serie, descubre el origen de la Niña Medeiros, una de las grandes protagonistas de la saga, y averigua qué es lo que se cocía en el ático del bloque de pisos donde comenzó la infección.
También es testigo de los efectos devastadores que la plaga tiene en el zoo de Barcelona y conoce la historia que sirve como prólogo a REC 3: Génesis.
Todas las historias que se recogen en la novela gráfica han salido de las mentes de Plaza y Balagueró, creadores de la serie, aunque ha sido Migoya el responsable de escribir las diferentes tramas. La colaboración de los directores en la elaboración del cómic ha sido, según el guionista, totalmente desinteresada.
“El entusiasmo les ha llevado a estar muy presentes en todo el proceso creativo. Nos hemos reunido varias veces para que me proporcionaran ideas de partida o incluso argumentos completos de lo que tenía que ocurrir en cada una de las cinco historias incluidas. Han sido muy generosos; y les estoy muy agradecido por la entrega e ilusión que han puesto“, explica Migoya.
Muchas de las historias nacieron -como se encargan de explicar Balagueró y Plaza en el prólogo del volumen- de “ideas demasiado locas o demasiado arriesgadas para convertirse en una película“, que “acabaron archivadas en un cajón y condenadas a no ver la luz jamás“.
Sin embargo, gracias al interés que Migoya mostró por ellas, ahora se hacen públicas gracias a este particular spin-off en forma de tebeo. El resultado es una novela gráfica que va más allá de los largometrajes.
“No es un cómic típicamente derivado de una franquicia cinematográfica, sino que sobresale por sí solo y por méritos propios: forma parte de la saga REC con tanta legitimidad como las películas“, aclara el escritor.
No obstante, a pesar de su origen cinematográfico, REC. Historias inéditas es puro noveno arte. Los aficionados al cómic encuentran en sus páginas referencias a los clásicos de las editoriales EC Comics o Warren.
Aquí, como ocurriera en títulos como Creepy o Tales From The Crypt, un ser repugnante, en este caso La Niña Medeiros, nos narra las cinco escalofriantes historias.
Migoya ha contado para plasmar en viñetas las diferentes tramas con un grupo de expertos dibujantes de la categoría del valenciano Joan Marín, el boliviano Álvaro Ruilova, el portadista uruguayo Alejandro Colucci y los argentinos Andrea Jen, Salvador Sanz y Feliciano G. Zecchin.
Todos ellos contribuyen en que la infección de REC salte de la gran pantalla a las páginas de un cómic.

lunes, 2 de abril de 2012

Lo bueno y lo malo de Saint Seiya Omega

Fuente: Perú21

Hoy se ha estrenado en Japón la nueva serie de la mítica saga Saint Seiya. Ha sido en TV Ashai y ha supuesto la vuelta de Toei Animation a la producción de anime basado en la obra de Masami Kurumada.

En esta ocasión se trata de una historia totalmente original, ya que no parte de ningún manga como Saint Seiya: The Lost Canvas, y el maestro Kurumada no está implicado en su desarrollo, con lo cual sus acontecimientos no se consideran oficiales como sí ocurre con los del manga de Shiori Teshirogi.

Saint Seiya Omega se sitúa 25 años después de los hechos de la obra original y presenta a nuevos personajes que volverán a librar una guerra santa con los uniformes inspirados en el Zodíaco, encabezados por Kôga, el nuevo Caballero de Pegaso.

Vuelve a aparecer Saori Kido como la diosa Atenea, que sigue en la Tierra para continuar luchando contra el mal, y es ella precisamente quien ha criado a Kôga desde que se lo encontró siendo un bebé. El pequeño fue salvado de la muerte segura por su predecesor, Seiya, que siendo ahora un Caballero de Oro le enseñará el valor de la amistad.




LO BUENO
En esta nueva historia podemos ver peleas de "impacto". Decididamente, los señores de TOEI Animation se han lucido con la animación (y los fondos musicales). Aunque imaginamos encontrar un guión muy infantil y/o aburrido, la trama es interesante y te atrapa al instante, sobre todo por el sentimiento de recordar a Seiya y los otros Caballeros de Athena.
Otro punto a favor de la serie es que cuenta con la voz original de Seiya: Toru Furuya, quien prestó su voz para Saint Seiya desde los año ochenta, y ahora vuelve a la carga en Saint Seiya Omega con un Seiya convertido en el Caballero Dorado de Sagitario.
Esperemos que la trama siga manteniendo esa esencia de la serie inicial y no se torne monótona o aburrida, ya que muchos de los fans de Los Caballeros del Zodiaco estamos acostumbrados a la acción, a las peleas elegantes y llenas de emoción.  

LO MALO
Un par de puntos flojos podrían ser que las armaduras han perdido esa "fortaleza" que transmitían. Ahora parecen trajes de látex. Otro aspecto negativo es que no existe, al menos hasta ahora, tema de cierre (ending). Esto sí es un desperdicio, ya que Saint Seiya se caracteriza por tener temas de intro y cierre majestuosos y llenos de mensajes positivos.Hasta el momento, parece que en Saint Seiya Omega solo tenemos intro. Se trata de la clásica canción Pegasus Fantasy en una nueva versión.

De momento se puede afirmar que Saint Seiya ha empezado con buen pie. TOEI Animation busca captar nuevos fans y motivar que los "viejos" aficionados tengan un nudo en la garganta al recordar ciertos detalles de la serie y por las buenas cifras de audiencia parece que lo están consiguiendo.

domingo, 1 de abril de 2012

Crean un software que transforma películas en cómics automáticamente

Fuente: 20minutos.es


El cine y los cómics tienen muchas cosas en común. Pueden compartir historias y personajes, ser adaptados de uno a otro medio e incluso servir como base, caso del story-board, que no es más que la planificación de las secuencias de una película de forma animada. Con la herramienta desarrollada por un equipo de investigadores de la Universidad de Tecnología de Hefei, en China, cine y cómic estarán aún más cerca.
Movie2Comics, como ha sido bautizado el sistema, es un software que permite transformar escenas de películas en auténticas tiras cómicas sin mediación humana, automáticamente. Así presentan el proyecto sus desarrolladores, en un estudio publicado en una edición reciente de IEEE Transactions on Multimedia.
El software puede ser útil tanto para profesionales como aficionados Según uno de los autores, el profesor Meng Wang, el objetivo del programa es agilizar el proceso de creación de historietas. Y es que, aunque los dibujantes actuales tienen a su alcance una gran variedad de softwares y herramientas de asistencia, la tarea sigue implicando muchas horas de trabajo humano, sin contar con quienes aún dibujan a mano.
"Mientras los programas anteriores han sido desarrollados para asistir a los dibujantes en la conversión de películas a cómics, el nuevo método es el primero con un enfoque totalmente automatizado", señala Wang, quien asegura además que Movie2Comics "tiene potencial para reducir considerablemente el tiempo y los gastos asociados a la creación de cómics, sin necesidad de ninguna intervención manual".
Asimismo, sus creadores sostienen que el software puede ser útil tanto para profesionales como aficionados. "Los profesionales pueden utilizarlo directamente para generar cómics (o introducir su trabajo para obtener resultados impresionantes), mientras a los aficionados les puede interesar ver lo que se genera a partir de diferentes clips de películas", matiza Wang.


martes, 27 de marzo de 2012

Los 1001 cómics imprescindibles

Fuente: ABC.es

Cada uno tiene una forma personal de relacionarse con el cómic, pero es cierto que, a diferencia de lo que ocurre con otras formas de expresión, lo normal es enamorarse del medio o mostrar total indiferencia. Paul Gravett está en el primer caso. Tanto, que lleva desde 1981 inmerso, de una forma u otra, en el mundo del noveno arte. Desde las labores de editor, comisario de exposiciones o escribiendo para periódicos y revistas como The Guardian, Time Out, The Comics Journal, The Daily Telegraph.
De hecho, la pasión por las viñetas se le escapa en cada frase: «Hay una cosa que me gusta mucho de los cómics —comenta—, y es todo lo que me enseñan, no desde el punto de vista cultural, sino de la gente normal, del individuo, de cómo es el ser humano. Después de todo, no estamos muy alejados del hombre de las cavernas, que leía historias a través de los dibujos rupestre».
Ha venido a Madrid a dar una conferencia en el Museo ABC, dentro de los encuentros «UK Cómic» celebrados entre el 16 y el 24 de marzo, y a presentar un libro, «1001 cómics». Se trata de una selección de las obras «que hay que leer antes de morir», y para el que se ha apoyado en un equipo de 67 expertos de diferentes países.

Guía para discriminar

¿Y por qué una cifra que recuerda el popular libro de recetas de Simone Ortega?: «Porque también tenemos "Las mil y una noches”. En la leyenda, Sherezade tiene que contar todas las noches un cuento para salvar su vida. Y esta historia no tiene fin, así que el número representa el infinito. Cien o quinientos cómics hubieran sido pocos. 1.001 también, pero da una idea de ser muchísimos».
Tantos, que la lectura de este voluminoso libro puede crear ansiedad en el buen aficionado, al despertar el deseo de leer todas las obras reseñadas: «Evidentemente, las críticas que aquí aparecen son siempre positivas, y el objetivo es incitar a la lectura. No todos los cómics están disponibles en español, pero al menos puede despertar la curiosidad de indagar por internet. En la red está todo, pero de una forma vasta y desordenada. Esta guía nos ayuda a discriminar».
Cronológicamente, la primera obra seleccionada es «Los amores del señor Vieux Bois», de 1837, del suizo Rodolphe Töpfer. Pero, según Paul Gravett, «siempre se ha utilizado el cómic, ya sea en vidrieras o en ilustraciones para libros. En el fondo se trata de contar una historia con imágenes en lugar de palabras y de una forma secuencial».

Excelente salud
Una forma de narrar que hoy goza de excelente salud: «Exacto. Además, es curioso que un medio tan antiguo, donde nada se mueve, ni hay música, ni efectos especiales, no ha sido borrado de la faz de la tierra por la televisión, la radio, el cine o los videojuegos. Creo que se debe a que es un medio muy sofisticado. Las novelas gráficas son capaces de transmitir ideas y tratar temas complejos de una forma muy eficaz. No solo se trata de imágenes, sino que la escritura es muy importante, y hay que elegir muy bien las palabras. A veces se trata casi de haikus, de pequeñas poesías en bocadillos. En 2012, de todas las expresiones artísticas, la que me sigue sorprendiendo es el cómic».

Las recomendaciones de Gravett
«Maus» (1977), de Art Spiegelman: Narra la historia real del padre del autor, que estuvo recluido en Auschwitz. «Representa un punto de inflexión. En cierto modo se puede ver que “1001 cómics” está dividido casi al cincuenta por ciento entre antes y después de “Maus”. Porque precisamente cuando se escribió este libro, se dio ese salto a una mayor sofisticación. Spiegelman llegaba a reescribir cuarenta veces el mismo bocadillo hasta que quedaba satisfecho».
«Gemma Bovery» (1999), de Posy Simmonds: «No la sugiero porque sea británica, esta novela gráfica trajo a nuestros días la historia de Madame Bovary». Simmonds cuenta con otros dos libros seleccionados por la guía: «Diario de la señora Wieber» y «Tamara Drew».

«Arterios Polyp» (2009), de David Mazzucchelli: «Es sorprendente. Cada personaje está dibujado con un estilo diferente».

«Persépolis» (2000), de Marjane Satrapi: «Es el ejemplo de una obra en la que uno se siente muy cercano al personaje». Cuenta la infancia y adolescencia de la autora, una iraní que fue enviada a un colegio austriaco por su familia para alejarla del fanatismo religioso.

«El fotógrafo» (2006) de Guibert, Lefèvre y Lemercier: «Combina fotogafías con dibujos para narrar una historia en Afganistán. También resulta innovador».

jueves, 22 de marzo de 2012

La gran Feria Mundial de Anime intenta resurgir en Tokio tras el terremoto

Fuente: Qué!

En esta XI edición, la gran cita de la animación ha ampliado la presencia extranjera para tratar de recuperar el esplendor que tenía en años anteriores, antes de que en 2010 algunas grandes productoras la boicotearan por una polémica ley sobre cómics aprobada por el Gobierno Metropolitano de Tokio.

China es uno de los países más destacados en esta edición y también el que más parece interesar en la actualidad a los profesionales nipones del anime, que en la feria de este año pueden ver las novedades de más de cuarenta empresas del floreciente y gigantesco mercado de su vecino asiático.

La inclinación hacia China por parte una superpotencia de la animación como Japón es doble: Por un lado, las posibilidades de ese mercado tientan a las productoras niponas, y por otro se trata de un destino hacia el que cada vez más estudios quieren deslocalizar su producción para ahorrar costes.

Otro gran pabellón está dedicado a productoras de nueve países, entre ellos España, que ha llevado a Tokio material de 25 estudios interesados en lograr distribución en Japón o en encontrar financiación para futuras coproducciones.

Por los monitores instalados en el recinto desfilaron hoy imágenes de largometrajes que han supuesto un éxito de crítica y público en España, como "Arrugas" o "Chico y Rita", así como de series televisivas como "Las tres mellizas" o "Jonás".

"Japón nos parece un mercado muy interesante porque es el templo de la animación", explicó a Efe el director ejecutivo de Perro Verde Films, Manuel Cristóbal, quien considera que su filme "Arrugas", ganador de dos premios Goya este año, es un producto capaz de interesar a un mercado tan competitivo como el japonés.

Para Cristóbal, la película tiene a su favor un argumento que gira en torno a la ancianidad, un tema que a su juicio "en Japón se entiende muy bien" dada la longevidad de sus ciudadanos.

A ello se une el hecho de que la principal influencia de su director, Ignacio Ferreras, es el célebre animador japonés Isao Takahata, recordó.

El colorido que caracteriza al mundo de la animación llegó a la inauguración del evento en forma de actores disfrazados de temibles demonios, heroicos espadachines, simpáticos pandas o extravagantes colegialas, que se pasearon entre los puestos de las 216 empresas niponas y extranjeras reunidas en el recinto ferial Big Sight.

En la fiesta del anime tampoco faltaron clásicos como Shinchan, que presentó su vigésima película, Lupin III, cuya serie celebra su 40 aniversario, o el estudio del recordado padre del manga moderno, Osamu Tezuka, que este año estrena el filme "La leyenda de Budori Gusuko", basado en una popular fábula de Kenji Miyazawa.

La sección copada por Studio Ghibli fue una de las más visitadas gracias a la venta de mercadotecnia relacionada con las películas del respetado maestro del anime Hayao Miyazaki o a la exposición de material del reciente filme "Kokuriko zaka kara", dirigido por Goro Miyazaki, hijo del primero.

Este año el evento quiso mostrar su apoyo a los niños que padecieron la tragedia del terremoto y tsunami del año pasado, a los que dedica conciertos y actuaciones tanto en la sede tokiota de la feria como en ciudades de las provincias de Iwate, Miyagi y Fukushima, las tres más afectadas por la catástrofe.

La Feria Internacional del Anime se prolongará hasta el viernes para los profesionales, mientras el sábado abrirá sus puertas al público en general para mostrar las últimas novedades del sector.

En ediciones anteriores, la exhibición ha atraído a más de 100.000 visitantes.

miércoles, 21 de marzo de 2012

El Camino de Santiago será una novela gráfica para iPad y iPhone

Fuente: La Voz de Galicia

Entre esas leyendas vinculadas al Camino aparece la Santa Compaña, pero una Santa Compaña trasladada a un entorno de fantasía y acción, con un referente claro en ese proceso: El señor de los anillos. El producto está dirigido al consumidor de videojuegos de fantasía y rol.

«La intención de este trabajo es usar nuestro bagaje histórico y cultural para darlo a conocer a nivel internacional mediante un producto de puro ocio que sea atractivo», explica Carlos Fernández, responsable de la firma compostelana. Pero el proyecto, que cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura, no se quedará ahí. En una primera fase será una novela gráfica interactiva, «pero la intención -matiza Fernández- es que se convierta después en un corto de animación interactivo para videoconsolas y siga evolucionando. Cuando diseñamos una historia lo hacemos con la idea de que sea transmedia, que pueda dar lugar a productos diferentes».

Grial no será la única novedad de Moonbite este año. Diciembre es la fecha prevista para la salida al mercado del videojuego Zombeer, una revisión humorística del mundo de los zombis. El nombre combina las palabras inglesas zombi y beer (cerveza) porque este licor es el único antídoto contra mordeduras de muertos vivientes. Este juego on-line está pensado para videoconsola, pecé y Mac. Utilizará uno de los motores más exitosos del momento, Unity, en el que están dados de alta más 800.000 desarrolladores. El juego, aun sin haber salido, está generando gran expectación. Por ejemplo, en la Game Connection America de San Francisco, de donde acaban de llegar sus creadores. «Regresamos con propuestas interesantes y la satisfacción de ver que el juego provoca auténticas carcajadas entre los profesionales del sector», valora Carlos Fernández. Allí mostraron también la forma en que se promocionará del videojuego, con «una campaña viral en redes sociales».

Pero hay más. Zombeer será este año la imagen del congreso Mundos Digitales, que se celebrará del 4 al 7 de julio, y «creo que es la primera vez que un videojuego se convierte en la imagen de este evento», precisa el responsable de Moonbite.

jueves, 15 de marzo de 2012

Los cómics recuerdan el 75 aniversario de la muerte de H. P. Lovecraft

Fuente: Viñetas y bocadillos

El 15 de marzo se cumple el 75 aniversario del fallecimiento de Howard Phillips Lovecraft, escritor norteamericano que ha fascinado a lectores de todo el mundo con sus relatos de terror. Dio lugar a toda una mitología que bebía de la fantasía y la ciencia ficción y que se desarrolla en el ciclo de relatos que continuaron otros escritores, y que recibe el nombre de Los mitos de Cthulhu.


Como ocurre con otros tantos artistas, el reconocimiento y valoración de su obra llegó después de su muerte, y ha servido de inspiración a generaciones posteriores. Grupos musicales como Metallica, Fields of the Nephilim, Cradle of filth, y géneros como el metal, el rock gótico y alguna de sus variantes de corte industrial vienen inspirados por los relatos del escritor de Providence.

El cine ha intentado llevar el universo de Lovecraft a la gran pantalla sin demasiada fortuna… y por supuesto, el cómic se ha dejado empapar por sus criaturas cósmicas y dioses primigenios…

La revista 'Cthulhu'

Diábolo Ediciones tiene varios títulos directamente relacionados con toda la mitología que surgió de su incansable imaginación.

Por un lado la revista de historietas Cthulhu comenzó su andadura en 2007 con un número que homenajeaba a Lovecraft. De periodicidad semestral, suele aparecer en mayo y diciembre, aunque su fecha de salida puede variar. Suele incluir comics, relatos y artículos siempre relacionados con el terror y la ficción oscura de autores diversos entre los que se encuentran Alex Ogalla y Manuel Mota, los dos coordinadores de la publicación.

Llevan ya 9 números publicados y no solamente Lovecraft ha acaparado el protagonismo. También han pasado por sus páginas Edgar Allan Poe, Robert Louis Stevenson o Robert Ervin Howard entre otros, y no se han mantenido ajenos al fenómeno Zombie. El noveno Cthulhu, publicado recientemente, es un especial humor negro.

'El joven Lovecraft'

Dos de los colaboradores de esta revista son el guionista José Oliver y el dibujante Bartolo Torres, que a su vez son los responsables de una divertidísima tira cómica llamada El joven Lovecraft, que es una recreación un tanto libre de la juventud del escritor, a quien acompaña todo un ramillete de secundarios, incluidas sus criaturas, para hacerle más interesante la existencia, en el plano dimensional viñetístico, por supuesto. Estas tiras van por su tercer volumen, y también se pueden leer en internet.

Y por último, podemos sumergirnos en el universo lovecraftiano hecho tiras, esta vez de la mano del dibujante francés François Launet, que acaba de publicar en España, La cripta (del horror) innombrable donde un hambriento Cthulhu y otros dioses primigenios protagonizan situaciones delirantes dando otra vuelta de tuerca a este particular universo.

'La guarida del Horror', de Corben

Panini Comics nos ofrece La Guaridad del Horrror: Lovecraft, con un excelente trabajo del mítico dibujante Richard Corben, que dedicó un tomo similar a adaptar algunas obras de Edgar Allan Poe. Con un estilo sobrio (utilizando el blanco y negro para dar aún más sencillez y detalle a la narrativa) el mítico creadro de Den, nos ofrece una obra en la que capta la inquietante atmósfera del Universo creado por Lovecraft. Dos tomos imprescindibles.

'Visiones'

Norma Editorial tiene en su catálogo Visiones, una recopilación de los mejores relatos de terror de Howards Phillips Lovecraft, esta vez adaptados al cómic por el uruguayo Hernán Rodríguez, que reproduce fielmente lo más grotesco y fantástico de las historias del escritor estadounidense.

'Neonomicón', de Alan Moore

Alan Moore escribe un estupendo cómic de horror y una interesante intriga detectivesca que se dedica a analizar la figura de Lovecraft (Muy discutido por su supuesto racismo y desprecio de las mujeres)
¿Y sí los mundos de pesadilla habitados por monstruos deformes no fueran fruto de la imaginación de Lovecraft, sino que existieran de verdad? Esa es la interesante pregunta que propone este cómic (Panini), basándose en que el escritor (que también era un investigador de lo oculto), no se hubiese inventado esos demonios, sino que se hubiera limitado a dar testimonio de lo que había visto con sus propios ojos. Un interesante cómic editado también por Panini.

'Los mitos de Cthulhu', de Breccia

Una de las obras maestras del cómic y la mejor adaptación que se ha hecho nunca de una obra de Lovecraft a otro medio. En Los mitos de Cthulhu (Sins entido), el mítico dibujante argentino Alberto Breccia investiga las posibilidades formales de la historieta, y del universo de Lovecraft, una especie de obsesión para el dibujante que se convierte en una buena base para la experimentación.
Así lo cuenta el propio Breccia: "Me di cuenta muy pronto de que el lenguaje tradicional del cómic no podía representar satisfactoriamente el universo de Lovecraft, de manera que empecé a experimentar con nuevas técnicas". Un volúmen imprescindible que transmite todo el mal rollo del mundo del escritor gracias a sus espectaculares ilustraciones.

Lo que está claro es que, lejos de caer en el olvido, el Universo de Lovecraft sigue siendo una fuente de inspiración inagotable para los escritores y autores de cómic de la actualidad.

martes, 13 de marzo de 2012

Qué grande es el cómic


'Dolmen Europa, 5' llega a las librerías para mostar un resumen de los tebeos realizados en el continente, con artículos de Enric Badía, Víctor de la Fuente o Jordi Canyssà. Otro año más, y van cinco, ha llegado a librerías la ración anual de Dolmen Europa, revista de información y divulgación de los tebeos hechos en el viejo continente. Y el volumen, como era de esperar, no tiene desperdicio. La portada la ocupa una ilustración de Amargo, western del sin par Víctor de la Fuente (Riocaliente, 1927- Le Mesnil-Saint-Denis, 2010), uno de los mejores dibujantes que ha dado la madre patria, quien además goza de un repasito bibliográfico en páginas interiores a cargo de Félix Velasco Fargas. Hay también un amplio artículo de Miquel Esteba dedicado a la muy interesante serie francesa Jerôme K. Jerôme Bloche, protagonizada por el detective homónimo creado en la década de 1980 por el dibujante Alain Dodier y los guionistas Serge Le Tendre y Makyo -otro nombre de Pierre Fournier-, que en 2011 vio publicado su álbum vigésimo segundo; una estupenda semblanza del maestro Raymond Macherot, "el poeta del cómic belga", para quien Alfons Moliné pide, con el buen criterio que le caracteriza, un rescate de su producción, apenas conocida en nuestro mercado; otra semblanza más, firmada esta por El Rincón del Taradete, del barcelonés Enric Badía Romero (1930), autor pulcro y de larga trayectoria recordado por su participación en Modesty Blaise, y creador de la serie Axa; Jordi Canyssà analiza en detalle Blueberry, cabecera capital de la bande desineé y de la historieta mundial, iniciada en la década de 1960 por esos dos gigantes que son el guionista Jean-Michel Charlier y el dibujante -autor total en realidad- Jean Giraud, ambos fallecidos ya.



Además de lo dicho, que no es poco, Manuel Barrero nos regala un largo ensayo sobre José Sanchís (Valencia, 1932-2011), el genial creador de Pumby y referente de la fértil Escuela Valenciana de historieta, "un hombre bueno" -escribe Barrero- "que le dio a los niños lo que más deseaban al abrir un tebeo: el deleite de la sorpresa seguido de un rato de felicidad". Más, Yexus introduce al lector en la actualidad del tebeo ruso y entrevista al francés Lewis Trondheim, ese autor -parafraseando a Yexus- fresco e imaginativo, personalísimo; Didier Pasamonik explica qué y quiénes son L'Association, la editorial gala que ha sido "fundamental en la eclosión de una generación de nuevos talentos" del calibre de Marjane Satrapi, Joann Sfar, David B., Lewis Trondheim o Blutch -ahí es nada-. Y aún queda espacio para que Miguel Fernández Soto nos desvele "aspectos poco conocidos de los personajes y las revistas de humor españolas", como por ejemplo los antecedentes gráficos de Mortadelo y Filemón; y para que Ana Merino nos acerque al tierno universo de Rosalie Blum, una expresiva y hermosa serie de la también francesa Camille Jourdy; y, claro está, para las secciones habituales, como la siempre bienvenida andanada de reseñas y las deleitosas ilustraciones de Compendio de viñetas.


De principio a fin, y resumido en una sola palabra, Dolmen Europa es una gozada. Desde aquí la recomiendo a todo aquel dispuesto a asombrarse y a descubrir o redescubrir qué grande es el cómic. Es decir, a todo aquel que ame de verdad el medio de la historieta.